Demo Reel – El proceso de mastering (Electrónico)

En este otro ejemplo también te quiero mostrar cómo va cambiando el sonido conforme va avanzando el mastering. 

Como es en todos los ejemplos de audio, para cambiar la costumbre de escuchar con los ojos solo se muestran los bounces digitales y los imprints analógicos, sin plugins ni procesadores, únicamente el medidor de volumen.

Overview

Lo primero que debemos considerar es que el tema está a -16 LUFS por lo que al final solamente ganaremos 2 LUFS de volumen, por supuesto que podemos ir mucho más arriba en volumen pero por los lineamientos de las plataformas de streaming no tendría sentido y dado que este video está en Youtube, tampoco podríamos escuchar más volumen.

Firmeza y balance

Podemos notar que al sonido le falta un poco de definición, especialmente en los hi-hats y el sintetizador estéreo, también existe mucha energía en los graves que enmascaran algunos sonidos, esta situación ea muy común en las mezclas que recibo para mastering (si no percibes un exceso de graves, te sugiero mi video sobre ondas estacionarias).

Escucha cómo el sonido ahora es más firme y con mayor definición, principalmente en la voz y el bombo, también podrás percibir que los graves están presentes pero sin excederse. Al remover el exceso de graves, podemos notar un pequeño cambio en el tono del tema, el cual es más dominado por la voz. Esta era la intención original, la cual sonaba bien en el control room donde se hizo la mezcla pero que tenía un modo de resonancia en 105 Hz, uno de los mayores beneficios del mastering es que podemos interceptar estos problemas y resolverlos.

Espacio

Una vez balanceado el sonido podemos saber qué le hace falta en cada una de las dimensiones del sonido. Comencemos con el espacio, aunque el cambio no es tan drástico, puedes escuchar cómo adquiere profundidad el sonido, especialmente en los sintetizadores, que suenan más envolventes.

Tono y Carácter

Hay partes de los sintetizadores graves que necesitan ser un poco más dinámicos y en general, al tema le hace falta vivacidad pues fue grabado y mezclado a 48KHz. 

El sonido analógico es muy obvio, aunque prácticamente no se ganó volumen, inmediatamente cobró vida, se siente como si hubiera crecido, si has escuchado el sonido tan característico del Neve 1084, lo vas a reconocer inmediatamente. 

Rango dinámico

Aunque el sonido tiene mucha vida, la voz aún queda un poco por detrás de los demás instrumentos y los instrumentos que están en el componente estéreo de la mezcla dominan un poco más de lo necesario. Después de pasar por el compresor, la voz tiene más presencia, pero no domina a los demás instrumentos pues eso iría en contra de la idea original de la mezcla. 

Otra cosa que puedes notar también es que apenas ganamos un poco de volumen pues el objetivo de comprimir es tener una mejor relación entre instrumentos desde una perspectiva macro, y no aumentar el volumen.

Finalización

Por último, aunque el tema ya se siente casi listo, aún le falta un poco de punch al bombo y tarola, además de ajustar bien el volumen a -14 LUFS, escuchemos cómo suena después del peak limiter. 

Como puedes ver, existe una diferencia de apenas 2 LUFS entre la versión sin masterizar y la versión masterizada, y un rango dinámico promedio de 3 LUFS lo cual es muy sano. 

El volumen no es el objetivo del master sino un sonido compacto, directo y listo para sonar en cualquier sistema de reproducción, desde bocinas de celular hasta sistemas de alta definición y que además de ser uniforme a lo largo de todo el álbum, respete la mezcla original, sin alterar su carácter ni balance original. 

Noise Talks Ep. 2 – Más volumen, por favor

La pregunta del millón

Respuesta rápida

Si deseas subir el volumen de la mezcla final, debes considerar que las plataformas de streaming tienen un límite máximo de -13 LUFS por lo que ir más arriba de eso no te da ningún beneficio, al contrario, deteriora mucho la calidad. Si tú masterizas tu propio material, no tiene caso pasar de -13 LUFS. Si mandas tus mezclas a un estudio de mastering, te recomiendo no pasar de -15 LUFS. 

Ahora bien, si para mantener estos valores debes colocar un peak-limiter, un compresor o bajar el fader del master track entonces checa el video con la respuesta extendida pues en este caso, deberás revisar el volumen de los tracks en tu mezcla y calibrar tus monitores.

Ten en cuenta que medir el volumen a través de Peak-RMS ha quedado en desuso por lo que te sugiero usar un medidor en LUFS.

Dr. Noise Ep. 11 – Sonido grande Pt. 4

Llegamos al último punto de nuestra lista para lograr un sonido profesional desde una producción independiente. Después de hablar sobre la importancia de contar con instrumentos de la mejor calidad y de porqué perderle el miedo a grabar en midi, hablamos también de los puntos que cuidar cuando grabamos instrumentos acústicos en relación a los micrófonos y el espacio acústico a utilizar.

En esta última entrega hablaremos de la tercera pieza de nuestra estructura de producción: los convertidores analógico digital.

Dr. Noise Ep. 10 – Sonido "grande" Pt. 3: Micrófonos

Continuamos con nuestra búsqueda de un sonido más grande y profesional, en esta emisión trataremos el segundo componente: Micrófonos y acústica.

Todos los instrumentos acústicos, incluyendo las voces necesitan ser capturados por micrófonos, aunque pueden existir algunos procesadores entre el micrófono y el medio de grabación, es esencialmente el micrófono lo que hace la diferencia. 

Existen diferentes tipos de micrófonos: dinámicos, de condensador, de listón, cardioides, etc. Cada uno con diferentes características y que funcionan mejor en unos instrumentos que en otros. A esto se suman las diferentes técnicas de microfoneo, que se basan en su colocación con respecto del instrumento: el ángulo, la distancia y las posibles combinaciones de modelos y tipos de micrófonos. 

Dr. Noise Ep. 9 – Sonido Grande Pt. 1: Instrumentos 2

En el episodio anterior hablábamos sobre la importancia de los instrumentos para lograr un sonido grande y de cómo podemos prescindir de un entorno acústico para instrumentos como bajo, guitarra eléctrica y electroacústica, así como sintetizadores de hardware y software. ¿Pero qué sucede con los demás instrumentos?

Cuando hablamos de instrumentos de cuerdas, alientos, metales y demás, tenemos que recurrir forzosamente a micrófonos y un espacio acústico; por lo que abordaremos esto cuando hablemos de micrófonos, por hoy nos enfocaremos en dos casos especiales: piano y batería.

Para esto debemos abordar uno de los temas que más causan confusión en los músicos y que pueden ayudar a recortar costos sin perder calidad de sonido e interpretación musical.

Dr. Noise Ep. 8 – Sonido Grande P1.: Instrumentos

Como ya lo hemos mencionado en cápsulas anteriores, uno de los problemas más comunes de una producción independiente es que el sonido no es lo suficientemente grande cuando se le compara con los artistas mainstream. ¿Y cómo podemos lograr un sonido con esas dimensiones en una producción independiente?

Existen 3 factores indispensables para lograr un sonido así: instrumentos, micrófonos y convertidores. Si alguno de estos falta, el sonido perderá mucha fuerza.

Dr- Noise Ep. 7 – Music Startup

Cada artista tiene necesidades diferentes y muy específicas, desde aquellos que necesitan consolidar su banda o estructurar su repertorio hasta aquellos que sólo necesitan un buen plan de comunicación o un relanzamiento de su discografía en plataformas de streaming.

Es por esto que decidí fundar NoiseApp, una startup con la finalidad de ayudar a los artistas a alcanzar sus metas artísticas y comerciales. En estos 4 años de trabajo hemos ayudado a varios artistas a tener logros importantes y me gustaría contarte brevemente 4 de los más destacados:

Dr. Noise Ep. 6 – "Yo lo hago más barato… y mejor" (publicar)

En la música independiente, prácticamente todos nos hemos topado con alguien que nos dijo: "te están cobrando mucho por ese trabajo, yo lo puedo hacer más barato y mejor". y el más osado hasta te lo ofrece gratis.

Esta es una de las cosas que más perjudican a los artistas y sin importar el país o género musical, estos personajes están a la vuelta de la esquina y están decididos a quedarse con tu dinero.

Dr. Noise Ep. 5 – Retorno de Inversión

Todos los días se lanzan miles de álbumes independientes en todo el mundo pero lamentablemente muy pocos de esos lanzamientos ven ingresos. 

La regla común es que los artistas gastan sus ahorros en la producción de su álbum pero es un dinero que jamás retorna, y es un ciclo que se repite en cada producción. En otros casos, hay artistas que ponen sus propios estudios pensando que será una mejor inversión, y aunque esto les permite publicar más material, en realidad este tampoco tiene un retorno de inversión.

Demo Reel – Mix Fix (Big Mono)

Para este proyecto, el cliente se acercó a mí porque llevaba mucho tiempo trabajando en su álbum y la mezcla no terminaba de convencerla. Con este ejemplo les quiero mostrar cómo cambia el desempeño de la canción y los puntos en los que me enfoco para trabajar la mezcla. Voy a dividir el tema por bloques para poder seguir cada punto.

Intro

En este bloque de la canción, tenemos 1 guitarra, 1 trompeta, 1 campana tubular y 4 violines. Lo primero que salta al oído es que todos los instrumentos se escuchan al centro, pero en realidad todos están duplicados, 1 copia está completamente paneada a la izquierda y su duplicado a la derecha. La intención de esta práctica es "abrir la mezcla" para lograr un sonido más envolvente, pero como puedes apreciar, todo se escucha al centro. Por esta razón, a esta práctica se le conoce como Big Mono. La trompeta incluso se escucha con poca definición.

En la nueva mezcla puedes apreciar que solamente hay 1 instrumento de cada uno ya que todos tocan cosas diferentes. Justo al inicio también puedes apreciar la trompeta al centro y la guitarra cargada hacia un lado, esto con la intención de abrir espacio para los 2 violines que entran primero así como para la campana tubular. Los elementos quedan completamente equilibrados cuando entran los últimos 2 violines al final de la intro.

Adelantamos un poco el track para que no dure tanto este video.

Estrofa

La voz se tuvo que volver a grabar porque como puedes escuchar, tiene mucha distorsión producto de una señal saturada en la entrada del micrófono, también estaba un poco desafinada y fuera de tiempo. Esto es muy común cuando el cantante no se siente completamente cómodo en la sesión de grabación. Otra cosa que resulta muy evidente es que domina demasiado a los demás instrumentos. También se puede apreciar que el reverb de la voz se siente un poco disociado de la voz natural.

Para la voz, la artista y yo vimos que el tema perdía fuerza con ese estilo de interpretación por lo que optamos por explorar un estilo más cercano al mariachi, escucha cómo se siente inmediatamente que el tema tiene movimiento. Este movimiento también tiene mucho que ver con la presencia del guitarrón, el cual en la versión original, casi no se aprecia.

Estrofa 2

En este cambio a fortissimo podemos escuchar que es demasiado drástico en cuestión de volumen y también resalta nuevamente el big mono pues aunque se introduce una vihuela, también está copiada y panneada una a la izquierda y otra a la derecha y puesta encima de la guitarra rítmica. 

Lo primero que escuchamos es el cambio de voz, esto se dio porque al ver la necesidad de re grabar las voces invitamos a dos artistas para acompañar y hasta se dio la oportunidad de grabar un video de la sesión. También puedes escuchar cómo está totalmente aprovechado el panorama estéreo. La vihuela y la guitarra rítmica están opuestas entre sí, así como los violines que conservan su mismo lugar desde la intro y las 3 voces están equilibradas entré sí, conservando al centro la voz que domina esta parte de la canción.

Sección instrumental

Por último, vamos a escuchar la parte instrumental que sigue a la estrofa (mi parte favorita de la canción). Como puedes apreciar, el solo de guitarra debería dominar, pero en su lugar lo hacen los violines, y los instrumentos en relación con la voz, se quedan muy abajo cuando esta desaparece.

Ahora la guitarra tiene el protagonismo que le corresponde y el resto de los instrumentos no pierde importancia en relación a la voz y los violines llevan de la mano todo el solo guitarra, dado que fuero escritos como acompañamiento, realmente brillan al quedar atrás. Escucha cómo al final de la sección, las trompetas están contestando al solo de guitarra, al estar armonizadas se pueden pannear un poco a la izquierda y derecha, sin duplicarlos, le da mucho espacio a la mezcla.

Para terminar

Además de intentar abrir la mezcla, otra de las razones por las que se siente la necesidad de duplicar un track es para darle mayor peso a cada instrumento. Esta sensación existe cuando se utilizan instrumentos de gama media o baja, lo peor es que por más que se apilen tracks, el sonido jamás alcanzará esa dimensión al comparar el sonido, parece como si la mezcla original estuviera en mono o fuera un demo. Cuando se utilizan instrumentos profesionales la diferencia es impresionante, un solo track es suficiente para llenar toda una sección de una canción y el trabajo de mezcla es mucho más sencillo.

Otra cosa que se puede notar cuando se comparan versiones es que el sonido de la versión original es algo opaco en comparación con la mezcla nueva, esto se debe a que tanto la grabación como la mezcla fueron hechas a 44.1 KHz, mientras que la mezcla nueva fue hecha a 96 y el mastering fue analógico.

Como puedes ver en el nombre del waveform está marcado como 24 bits, el problema con esto es que aunque esa mezcla fue exportada con esa profundidad, por la cama de ruido al inicio es fácil notar que fue grabado a 16. Siempre cuida que tu grabación se haga a 24 bits para tener mayor espacio de trabajo, desde el principio.

Eso es todo por esta demostración, para quienes deseen escuchar el tema completo, ahora lo dejaré correr de principio a fin, cambiando de versión cada cierto tiempo para que escuches la diferencia.

Dr. Noise Mastering – Deep Inside

Head-Less es una banda alemana con la que tuve la oportunidad de trabar, no solo masterizando su música sino grabando una presentación en vivo en México, allá por 2008. Su música tiene mucha energía y aunque ellos lo definen como Pop Electrónico, sin duda hay un componente industrial muy presente.

En cuanto al mastering, aunque este EP pertenece a la época dela guerra de volumen, es otro de esos casos en los que no se trató de incrementarlo sino de añadir textura, espacio y dinámica, para ayudar a que la música transmitiera bien toda esa energía que la hace única.

Desde Weiswasser Alemania, de su EP de 2015, Punish Your Head, en su versión remasterizada para este programa de radio, Head-Less y su tema Deep Inside.

Dr. Noise Ep. 4 – 10 Errores comunes en un home studio Pt. 2

Continuamos con la lista de los errores más comunes en los home studio, y por ende, en las producciones ahí realizadas.

 6. Falta de panorama estéreo

Por lo general, los elementos clave como bombo, caja, voz principal y bajo deben situarse en el centro de la mezcla, pero si colocamos muchos instrumentos ahí o cerca del mismo, la mezcla sonará poco definida y aburrida. 

Otra práctica común es tomar un instrumento, copiarlo en otro track, retrasarlo un poco y colocar el track original a la izquierda y la réplica a la derecha, esta práctica es conocida como big mono pues en vez de abrir la mezcla y a pesar de usar el panorama estéreo resulta igual de aburrida y sin dimensión que una mezcla en mono.

En otros casos, hay mezclas que usan sintetizadores que por ser estéreo se colocan todos al centro pensando que ya no es necesario pannearlos. 

Desplazar algunos elementos de la mezcla hacia los lados (unos más que otros) permite que el oído escuche con más claridad toda la producción te permitirá reducir ecualización y efectos en cada pista.

7. Problemas de fase

Este es quizá el tema más complejo de esta lista pues tiene que ver con el efecto que tienen todas las pistas de tu mezcla entre sí. 

En términos muy simples, la fase la es relación entre tu señal de audio y el tiempo en el que ocurre, esto puede ocasionar que un un instrumento al interactuar con otro, por momentos duplicar o cancelar la energía en una frecuencia y dado que tu mezcla tiene varias pistas, esto puede convertirse en una grave problema pues puede restarle firmeza a la mezcla, o hasta desaparecer un instrumento por completo.

Otro problema muy común es que una mezcla tenga una imagen estéreo muy exagerada, pues cuando los monitores están muy cerca uno del otro pueden hacer parecer que nuestra mezcla es muy angosta, lo que lleva al uso exagerado de imagers para tratar de compensar.

8. Colocación vocal deficiente

Es difícil ser objetivo sobre la ubicación de las voces en una mezcla, especialmente si es tu canción. Una pista puede sonar igualmente "correcta" con la voz un poco delante o un poco detrás del resto de los instrumentos pero es muy probable que tu percepción se vea afectada si utilizas monitores muy pequeños o audífonos. 

Muchos tienden a compensar los problemas en la acústica de sus estudios utilizando audífonos, sin embargo, estos no son lo más recomendable para evaluar mezclas completas o posicionamiento de instrumentos pues distorsionan la percepción tanto de presencia como de ubicación en el panorama estéreo.

9. Conocer tu cuarto de mezcla

Tal como mencionamos en el primer punto, es muy raro que un estudio casero tenga un tratamiento acústico apropiado pues es un tema muy complejo que debe realizar un profesional y no es algo barato, es por esto que debes conocer bien las características de tu cuarto, principalmente sus deficiencias.

Te recomiendo hacer una sesión entera escuchando a través de tus monitores la música que te gusta y que conoces bien, especialmente del género que mezclas, hazlo desde tu editor de audio, de manera que utilices el mismo equipo en el que trabajas, esto te permitirá conocer la respuesta de frecuencia de tu estudio, saber qué tanto se pierden los agudos o qué tanto aumentan los graves, alrededor de qué frecuencias y a qué instrumentos afecta más.
Te recomiendo ver los videos dedicados a la calibración de monitores y ondas estacionarias en mi canal de Youtube.

10. Masterizar en el mismo estudio

Hay muchos obstáculos que pueden hacer tropezar a una mezcla y una de las principales funciones del mastering es precisamente ayudar a finalizar la producción trabajando el balance de frecuencias, el rango dinámico, la apertura estéreo, etc. 

Por esto, el principal requerimiento para un buen mastering es que se realice en un estudio diferente, con otras condiciones acústicas, monitores adecuados y sobretodo, oídos frescos que vean tu mezcla de manera macroscópica, para acentuar sus fortalezas y fortalecer sus debilidades.

Pero difícilmente se encontrará un problema en el balance de frecuencias o en la apertura estéreo o algún vicio en la mezcla, si se evalúa en el mismo estudio y por la misma persona. El mastering poco o nada tiene que ver con un peak limiter o con aumentar el volumen.

En conclusión
Como siempre, lo fundamental es usar sus oídos, escuchar con atención y aprender las reglas antes de romperlas. Ten en cuenta los posibles errores mencionados anteriormente y estarás en camino de obtener mejores resultados. Recuerda, mejor sonido se refleja en mayor impacto y mayor impacto se refleja en mayor atención a tu música. No olvides enviar tus preguntas a noisemastering@gmail.com, para responderlas en este espacio, hasta pronto.

Noise Talks Ep. 4 – Calibración de Monitores

 Si tienes la necesidad de colocar limitador o un compresor en el master bus de tu mezcla, este video te puede interesar.

Tener un maximizador o compresor en el master bus para evitar el clip digital cuando se está trabajando en una mezcla es una práctica muy común pero en realidad tu mezcla no debería necesitarlo. Colocar alguno de estos procesadores por necesidad se debe a una de dos razones:  

1. Porque la fatiga auditiva te lleva a subir el volumen de tu master bus hasta que alcanza el clip digital.
2. Porque la suma del volumen de todos tus tracks se acerca mucho o excede este clip digital

En este video nos vamos a centrar en resolver el primer punto para que tu mezcla no exceda el volumen necesario y al mismo tiempo en tus monitores puedas tener una presión sonora adecuada, potente, y sin que lastime tus oídos.
Lo que haremos será una calibración de monitores muy sencilla, pues una calibración profesional involucra procesos más complejos que utilizan instrumentos de medición y micrófonos, además de los servicios de un profesional especializado. Nosotros únicamente necesitaremos lo siguiente: 

• Tu editor de audio, con su medidor en LUFS
• Que tengas acceso libre al control de volumen de tus monitores y de tu interfaz
• Dos temas comerciales de un mismo álbum, el de mayor y el de menor volumen (de preferencia del género que mezclas). En nuestro caso, utilizaremos un fragmento del  tema The Stars (are out tonight) como tema de mayor volumen y Heat como tema de menor volumen, ambos del álbum de 2013, The Next Day de David Bowie.

Monitores

MUY IMPORTANTE: Baja todo el volumen de tu interfaz y audífonos, si tienes control de Mute, actívalo también.
Coloca el volumen de tus monitores en cero. Si son bi direccionales coloca el control de ambos al centro, debe haber un tope en la perilla cuando está en cero si son unidireccionales coloca la perilla hasta el tope de volumen. 
Si al subir el volumen notas un humming como este, te recomiendo revisar tu instalación eléctrica e invertir en un acondicionador de energía, por otro lado, si desde tu posición de monitoreo escuchas hiss con mucho volumen o estática como de radio, te recomiendo revisar tus cables. Para efectos prácticos de ejercicio puedes bajar el volumen hasta que este hiss no sea tan perceptible desde tu sweet spot.

Volumen interno

Crea un nuevo proyecto en tu editor, importa los temas que seleccionaste y coloca el medidor de LUFS en el master bus. Observando el waveform, encuentra el pasaje más alto en el tema de mayor volumen. Sin subir el volumen de tu interfaz,  reproduce el tema y ve bajando el fader hasta que tu medidor marque -16 LUFS. Como tip, una unidad de volumen equivale más o menos a 1 decibel.

Volumen externo

Una vez que lo tengas, comienza a subir el volumen desde el control de tu interfaz hasta que tengas una buena presión sonora en tu control room, es decir que se escuche potente pero sin distorsionar y sin que lastime tus oídos, Cuando lo hayas logrado, marca el valor que tiene tu interfaz o si es un control visual, toma una foto con tu celular o incluso, puedes marcar con cinta este punto. Haz lo mismo con tu salida de audífonos.
Este punto será tu referencia cuando estés trabajando mezclas completas de canciones que van con volumen alto.
Ahora, coloca el fader del tema de menor volumen al mismo valor que el del otro track y reprodúcelo, el medidor te dará una lectura menor a -16, el valor entregado dependerá del tema que hayas elegido, en nuestro caso, por el tipo de música, apenas fue una unidad de volumen. Ajusta el volumen de la interfaz hasta que tengas un volumen potente, sin distorsión y que tampoco lastime tus oídos. Marca este punto como tu referencia para mezclas de temas con volumen bajo. Por supuesto, el valor de tu salida, debe ser más alto que la marca anterior. Repite lo mismo para tus audífonos recuerda no lastimar tus oídos.
Estos valores quedan intencionalmente por debajo de las plataformas de streaming para dar espacio de trabajo al mastering, sin importar si tú masterizas tu propio material o lo enviarás a un estudio especializado, vas a necesitar este espacio. 

Para mastering

Si masterizas tu propio material, repite los pasos 2 y 3 pero ahora con -14 LUFS como referencia
Con estas referencias siempre sabrás cuánto volumen estas monitoreando y no necesitarás usar limitadores ni compresores para evitar que la señal llegue al clip, ya que evitarás subir la señal de tu mezcla por arriba de los valores de medición y en tus monitores tendrías un volumen confiable, incluso puedes agregar puntos de referencia para monitorear el desempeño de tu mezcla a volumen bajo.

Consideraciones

1. Ten en cuenta que este ejercicio está dirigido a mezclas completas, en otros videos abordaremos el caso de los tracks individuales ya que esto tiene que ver más bien con la estructura de ganancia de tus señales.
2. Si al subir el volumen sientes que se pierden los graves, te sugiero ver mi video sobre ondas estacionarias.

En conclusión

Esta breve calibración que acabamos de hacer es importante porque separa el volumen que tiene tu señal y el volumen al que estás monitoreando la mezcla. Como verás, el volumen de los monitores quedó en cero y no hubo necesidad de moverlo ya que para un home studio, por ser tan pequeño, el volumen de la interfaz es más que suficiente.
Es muy común que cuando llevamos mucho tiempo mezclando, debido a la fatiga auditiva, comencemos a subir el volumen; si sientes que necesitas más volumen, lo más probable es que en realidad necesites un descanso o bien, si no quieres hacer una pausa puedes subir el volumen de tu interfaz pero ahora sabes hacia donde debes regresar. Jamás subas la señal por encima de los valores que te dan los medidores, como lo vimos en el video anterior, no lograrás ningún beneficio.
Aunque hay quien lo hace yo sugiero no colocar plugins en el master bus excepto aquellos para medición, esto porque afectar a la mezcla completa requiere una perspectiva diferente, más enfocada al mastering, además de que no todos los plugins funcionan bien en mezclas completas.
 
Espero que este video te haya sido de utilidad tanto para liberarte de las dudas que tengas entre el volumen que estás escuchando y el volumen real de tu mezcla, como para que tus mezclas siempre suenen limpias, gracias a que ahora tendrás headroom para trabajar. 
Si te gustó el video, recuerda darle like, dejar tus comentarios, enviar tus preguntas y suscribirte a este canal.

Demos Mastering – Rock pop

Vaselina, es una de las películas que más ha trascendido en el gusto del público, al punto de convertirse incluso en una obra de teatro. Particularmente, la música es increíble, prácticamente cada canción es un hit que ha permanecido en el gusto del público por generaciones a quienes no les importa que sea música de los años 60.

El proceso de mastering – Rock Pop

Como lo he mencionado antes, masterizar es mucho más que subir el volumen o ensanchar la imagen estéreo. En este video te quiero mostrar cómo va evolucionando el sonido a medida que va progresando el mastering, usualmente se hace una sola pasada pero lo dividí en 5 etapas básicas, para que se pueda apreciar cómo va cambiando el sonido.

Como es en todos los ejemplos de audio, para cambiar la costumbre de escuchar "con los ojos" solo se muestran los bounces digitales y los imprints analógicos, sin plugins ni procesadores, únicamente el medidor de volumen.

Overview

Como puedes notar, hace falta un poco de definición y firmeza al sonido. Pon atención a los metales, donde es más evidente.

Firmeza

Lo primero a trabajar es la fase pues como puedes notar, hace falta un poco de definición y firmeza al sonido, pon atención a los metales donde es más evidente.

Escucha cómo desde la guitarra de inicio el sonido ahora es mucho más firme y mucho más definido, si al principio no notas mucho cambio, con el tiempo te irás acostumbrando a esta muy importante característica del sonido.

Balance de frecuencias

Con la dase ajustada, ahora podemos apreciar que la voz tiene muchos sibilantes y los graves tienen demasiada energía alrededor de los 60 Hz.

Si te cuesta trabajo escuchar este exceso de graves en tus monitores, te sugiero ver mi video sobre ondas estacionarias, cuyo link te dejo en la descripción de este video.

Escucha cómo el bajo no pierde presencia a pesar de que hemos controlado este exceso de energía y tampoco hay frecuencias excedidas o que dificulten escuchar algún instrumento.

Tono y carácter

Puedes notar cómo el sonido inmediatamente adquiere una dimensión completamente diferente, ese carácter cálido pero sin sentirse exagerado es muy característico del sonido analógico.

Rango dinámico

Para el cliente era muy importante que la voz estuviera al frente pero visto desde el contexto del mastering estaba un poco más arriba de lo necesario, 

Eescucha cómo después de la compresión, ahora sienta perfecto entre todos los instrumentos después de la compresión sin perder su protagonismo.

Finalización

Por último, escuchemos cómo el sonido adquiere un carácter más directo después del peak limiter, además de por supuesto, su volumen final.

Como puedes notar, el mastering no tuvo como objetivo obtener más volumen, únicamente el correcto para el medio de difusión y en relación con los demás temas del álbum.

Por supuesto que no sería una prueba completa si no comparamos el sonido antes y después de ser masterizado.

Dr. Noise Ep. 3 – 10 Errores comunes en un home studio Pt. 1

En esta emisión voy a enlistar los 10 errores más comunes en una producción hecha en home studio.

1. Colocación de monitores

Este es quizás el principal error, prácticamente todo estudio casero tiene sus monitores colocados sobre la mesa de trabajo y en paralelo con los oídos. También es muy común que estén pegados a la pared y en muchos casos, uno de los dos monitores está más cerca de su respectiva pared lateral que el otro. 

Las mesas de trabajo también tienen equipo como el gabinete de la computadora, teclados MIDI o procesadores de audio que introducen rebotes innecesarios o de plano se interponen entre las bocinas y tus oídos.

Por último, los monitores colocados en mesas rara vez quedan al nivel de los oídos, generalmente están por debajo y en otros casos muy por encima. 

Dr. Noise – Demos mastering: Ska

Luca Brasi es un tema instrumental de la banda mexicana de ska Los Guante Blanco, dedicado al personaje del mismo nombre de la novela El Padrino de Mario Puzo.

Dr. Noise Ep. 2 – En el gusto del público

Ya entrados en materia de producción, nuestro primer tema a tratar es algo que rara vez se hace hoy en día: Qué tanto tomamos en cuenta al público.

Hace algunos años se dio el boom de los llamados "supergroups", bandas conformadas por integrantes de otras bandas muy conocidas o solistas famosos, uno podría pensar que estas super bandas son una apuesta segura pero no siempre es así, tal es el caso de Superheavy banda formada en 2011 por la cantante solista Joss Stone, Dave Stewart ex Eurythmics, A. R. Rahman, compositor hindú de música para cine, Damian Marley, rapero y DJ jamaicano, hijo del legendario Bob Marley y Mick Jagger de los Rolling Stones.

Dr. Noise Ep. 1 – Comenzando el camino hacia una producción competitiva

La música independiente es una industria millonaria, financiada por los propios músicos independientes.

Hola, soy el Dr. Noise y les doy la bienvenida a este espacio dirigido a artistas independientes en el que trataremos temas sobre producción musical, con la intención de compartirles experiencias y conocimientos que les ayuden a elevar la calidad de sus producciones y así poder competir con los artistas del mainstream.

Noise Talks Ep. 2 – Más volumen por favor: Los límites en las plataformas de streaming

 Yo te recomiendo que cuando estés haciendo tus mezclas trabajes a -15 LUFS y si masterizas tu propio material , no pases de -13 LUFS

Las plataformas de streaming tienen un límite de -14 a -13 LUFS, no te sirve de nada subir de volumen más allá de eso porque ellos de todas maneras lo van a bajar. 

Ten en cuenta que el método Peak-RMS ya no se utiliza y ahora utilizamos LUFS. Todos los editores de audio tienen medidores en LUFS, y de no ser así, hay muchos plugins para eso. 

Noise Talks – Episodio 1: No todas nuestras ideas funcionan bien en la canción, por muy buenas que sean.

La siguiente canción, fue un gran logro, ya que el público no solamente la esperaba y la pedía sino que (como se aprecia en el video) también la cantaba con la banda.

Uno de los problemas más grandes dentro de una producción es decirle "No" al artista, si tú estás produciendo tu propia música, te recomiendo que tengas en cuenta este tipo de situaciones: 

¿Trabajar a 48 o a 96 KHz?

La respuesta corta sería 96 KHz ya que al tener más muestras por segundo (96,000), dichas muestras son más pequeñas y se acerca mucho más al sonido analógico por lo que tenemos más detalle y no sacrificamos armónicos altos (upper-harmonics).

Observa el detalle que se pierde de la señal analógica (en rojo) cuando trabajamos con frecuencias de muestreo bajas.

Lamentablemente esta mejora no es gratuita ya que utiliza muchos recursos de procesamiento para el DAW y de tu disco duro tomará aproximadamente 50 Mb por minuto grabado. Por esta razón te recomiendo que durante la pre producción (tus demos y maquetas) trabajes a 44.1 KHz pero tus sesiones de grabación y mezcla las hagas a 96 KHz. Si tu computadora no aguanta, prueba trabajar a 88.2 KHz y si de plano es mucho, baja a 48 KHz pero te sugiero enviar a masterizar tus mezclas en el dominio analógico.

Eso sí, siempre que vayas a un estudio de grabación donde pagues por el servicio, pide que tanto el tracking como la mezcla se hagan a 96 KHz, si se niegan es probable que: o bien su equipo no tenga la capacidad, o que no quieran dedicar espacio en disco, o bien que no sepan o no puedan apreciar la diferencia, o en el peor de los casos, no les importe.

La respuesta extendida:

¿Mastering automatizado?

 Hoy en día existen herramientas gratuitas para prácticamente todo o en el peor de los casos, los costos son muy accesibles pero ¿qué tiene de malo un servicio automatizado de mastering?. Técnicamente nada, el sonido cumple con los requerimientos de la industria, pero... ¿estéticamente?

Quizás la respuesta más obvia es el hecho de que el propio usuario es quien determina si es estéticamente correcto o no por lo que sí, siempre será preciso.

El problema es que, por definición, el verdadero objetivo del mastering es que alguien más revise la grabación y le dé el último tratamiento para preparar el sonido para que entregue su mejor desempeño en todos los sistemas de reproducción comercial, desde bocinas de celular hasta sistemas de high-end.

Pero quizás ese sea el principio de la confusión, tal vez la persona que busca estos servicios automatizados tiene otra idea de lo que es el mastering, pues la mayoría piensa que se trata de subir el volumen general aplicando compresión y ecualización y hacerlo "más estéreo". Visto así, tampoco necesitas un servicio de este tipo ya que puedes hacerlo tú mismo, aquí te digo cómo.

Carnavalesco

  

Tipo de producción: Concierto en vivo + video

Año: 2019-2020

Artista: Casa de Cultura Putleca

Género: Folklore mexicano

Notas

La puesta en escena tuvo como objetivo representar el Carnaval Putleco en un foro internacional como el Teatro Macedonio Alcalá en la capital de Oaxaca, México. Dicha puesta en escena fue grabada en audio y video y fue transmitida tanto en TV (Canal Once y CORTV) como en la propia plaza principal de Putla, Villa de Guerrero, Oaxaca.

4 Arias de Ópera

  

Tipo de producción: EP con 4 temas

Año: 2020

Artista: Jorge Soto, Tenor

Género: Ópera

Notas

Para esta producción hubo que ajustar desde el plan original ya que se pensaba en un álbum completo de 12 arias, sin embargo las circunstancias económicas y la pandemia por covid-19 cambiaron las cosas radicalmente.

¡Ora, Tristes!

 

¡Ora Tristes! – Portada
Concepto: Sergio Patiño
Diseño gráfico: Guadalupe Urbina

Tipo de producción: Álbum con 10 temas + 1 bonus track

Año: 2020

Artista: Orquesta de la Casa de Cultura Putleca

Género: Folklore mexicano

Notas

Este álbum fue grabado durante el concierto Carnavalesco en el teatro Macedonio Alcalá de la ciudad de Oaxaca, México. El objetivo fue tener en un medio digital el acervo musical de la festividad más importante de Putla, Villa de Guerrero, Oaxaca: El Carnaval Putleco. Previo a este CD no existía testimonio de esta música mas que aquello que los pobladores contaban de una generación a otra.

María Ferrina – Voces de Copal

Voces de Copal – Portada
Concepto: Sergio Patiño
Diseño Gráfico: Guadalupe Urbina

Tipo de producción: Álbum con 10 temas + 1 bonus track

Año: 2020

Artista: María Ferrina

Género: Folklore mexicano

Notas

Después de un par de años de mucho trabajo, derivado del éxito de Cuentos del Nuevo Mundo y Carnavalesco, nos dedicamos a terminar este álbum y hasta nos aventuramos a incluir un tema con orquesta. Aunque su lanzamiento se vio afectado por la cuarentena, el álbum ha logrado quedarse en el gusto del público quien espera con ansia la vuelta de los conciertos en vivo.

 

EvilMoon Project – Conviction [Re-sonance]

Tipo de producción: EP de 7 temas + 2 bonus tracks

Año: 2021

Artista: EvilMoon Project

Género: EBM (Electronic Body Music)

Notas

Esta producción consistió en "volver a la vida" el icónico EP Conviction de la banda mexicana de EBM EvilMoon Project, el cual fue lanzado en el año 2006. Después de una muy larga pausa de los escenarios, Alex Black, líder de la banda retomó a la banda para darle nueva vida pero antes de ofrecer material inédito estaba convencido de que el público merecía escuchar Conviction con un mejor sonido: más grande, más claro, más profesional.

TAW

Concepto: Sergio Patiño

Diseño: Laura Cadena

Tipo de producción: Álbum de 11 temas

Año: 2019

Artista: TAW

Género: Pop-rock de alabanza católica

Notas

Este proyecto tuvo como objetivo la producción de 11 temas desde las maquetas hasta el concierto de presentación. Originalmente eran 10 temas pero se agregó uno para participar en un concurso, el cual se ganó y le abrió las puertas a la banda para conseguir conciertos importantes, incluyendo uno en la Ciudad de Panamá al cual asistió SS el Papa Francisco I.

Maria Ferrina – Cuentos del Nuevo Mundo

Cuentos del Nuevo Mundo – Portada
Concepto: Sergio Patiño
Diseño: Gilberto Guerrero

Tipo de producción: EP de 5 temas + 1 bonus track

Año: 2018

Artista: María Ferrina

Género: Folklore mexicano

Notas

Esta producción nació de la necesidad de entregar algo para las personas que financiaron el proyecto inicial que constaba de 15 canciones pero ya llevaba más de 6 años sin salir al público debido a que la mezcla no cumplía los estándares de calidad de la artista. Para preservar la calidad y mostrar a los inversionistas que el trabajo era en serio, optamos por lanzar 5 de los temas a manera de EP lo cual funcionó muy bien.

Dorian Z – De Esos Amores

De Esos Amores – Portada del álbum
Concepto: Sergio Patiño
Diseño: Gilberto Guerrero

Tipo de producción: Álbum de 11 temas + 1 bonus track

Año: 2021

Artista: Dorian Z

Género: Rock

Notas:

La producción de este álbum se hizo desde las maquetas iniciales, hasta el lanzamiento final. Al comenzar, el artista vivía en La Coruña, España y cuando terminamos, se había mudado a su natal Santiago de Chile.

Volumen correcto para plataformas de streaming

Más volumen por favor

Uno de los casos más comunes que me llegan al estudio son los clientes que solicitan más volumen para sus mezclas.

Usualmente es posible dar mucho más volumen a una mezcla (¡hasta 10 dB de aumento!), especialmente en el entorno digital, de hecho, es algo que tú puedes hacer directamente en tus mezclas utilizando cualquier maximizador -rácticamente cualquier marca de plugins tiene al menos uno disponible-.

El problema es que más volumen no significa mejor calidad y una mezcla no va a sobresalir en un playlist de Spotify o en Youtube porque tenga más volumen; en realidad es exactamente lo opuesto.

Ponte en el lugar del cliente

Cuando escuchas música en alguno de estos servicios hazte la pregunta: ¿es grato poner un playlist, ajustar el volumen y que de pronto la siguiente canción suene más fuerte (o más débil)?