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Como ya lo hemos mencionado en cápsulas anteriores, uno de los problemas más comunes de una producción independiente es que el sonido no es lo suficientemente grande cuando se le compara con los artistas mainstream. ¿Y cómo podemos lograr un sonido con esas dimensiones en una producción independiente?
Existen 3 factores indispensables para lograr un sonido así: instrumentos, micrófonos y convertidores. Si alguno de estos falta, el sonido perderá mucha fuerza.
Cada artista tiene necesidades diferentes y muy específicas, desde aquellos que necesitan consolidar su banda o estructurar su repertorio hasta aquellos que sólo necesitan un buen plan de comunicación o un relanzamiento de su discografía en plataformas de streaming.
Es por esto que decidí fundar NoiseApp, una startup con la finalidad de ayudar a los artistas a alcanzar sus metas artísticas y comerciales. En estos 4 años de trabajo hemos ayudado a varios artistas a tener logros importantes y me gustaría contarte brevemente 4 de los más destacados:
En la música independiente, prácticamente todos nos hemos topado con alguien que nos dijo: "te están cobrando mucho por ese trabajo, yo lo puedo hacer más barato y mejor". y el más osado hasta te lo ofrece gratis.
Esta es una de las cosas que más perjudican a los artistas y sin importar el país o género musical, estos personajes están a la vuelta de la esquina y están decididos a quedarse con tu dinero.
Todos los días se lanzan miles de álbumes independientes en todo el mundo pero lamentablemente muy pocos de esos lanzamientos ven ingresos.
La regla común es que los artistas gastan sus ahorros en la producción de su álbum pero es un dinero que jamás retorna, y es un ciclo que se repite en cada producción. En otros casos, hay artistas que ponen sus propios estudios pensando que será una mejor inversión, y aunque esto les permite publicar más material, en realidad este tampoco tiene un retorno de inversión.
Para este proyecto, el cliente se acercó a mí porque llevaba mucho tiempo trabajando en su álbum y la mezcla no terminaba de convencerla. Con este ejemplo les quiero mostrar cómo cambia el desempeño de la canción y los puntos en los que me enfoco para trabajar la mezcla. Voy a dividir el tema por bloques para poder seguir cada punto.
Intro
En este bloque de la canción, tenemos 1 guitarra, 1 trompeta, 1 campana tubular y 4 violines. Lo primero que salta al oído es que todos los instrumentos se escuchan al centro, pero en realidad todos están duplicados, 1 copia está completamente paneada a la izquierda y su duplicado a la derecha. La intención de esta práctica es "abrir la mezcla" para lograr un sonido más envolvente, pero como puedes apreciar, todo se escucha al centro. Por esta razón, a esta práctica se le conoce como Big Mono. La trompeta incluso se escucha con poca definición.
En la nueva mezcla puedes apreciar que solamente hay 1 instrumento de cada uno ya que todos tocan cosas diferentes. Justo al inicio también puedes apreciar la trompeta al centro y la guitarra cargada hacia un lado, esto con la intención de abrir espacio para los 2 violines que entran primero así como para la campana tubular. Los elementos quedan completamente equilibrados cuando entran los últimos 2 violines al final de la intro.
Adelantamos un poco el track para que no dure tanto este video.
Estrofa
La voz se tuvo que volver a grabar porque como puedes escuchar, tiene mucha distorsión producto de una señal saturada en la entrada del micrófono, también estaba un poco desafinada y fuera de tiempo. Esto es muy común cuando el cantante no se siente completamente cómodo en la sesión de grabación. Otra cosa que resulta muy evidente es que domina demasiado a los demás instrumentos. También se puede apreciar que el reverb de la voz se siente un poco disociado de la voz natural.
Para la voz, la artista y yo vimos que el tema perdía fuerza con ese estilo de interpretación por lo que optamos por explorar un estilo más cercano al mariachi, escucha cómo se siente inmediatamente que el tema tiene movimiento. Este movimiento también tiene mucho que ver con la presencia del guitarrón, el cual en la versión original, casi no se aprecia.
Estrofa 2
En este cambio a fortissimo podemos escuchar que es demasiado drástico en cuestión de volumen y también resalta nuevamente el big mono pues aunque se introduce una vihuela, también está copiada y panneada una a la izquierda y otra a la derecha y puesta encima de la guitarra rítmica.
Lo primero que escuchamos es el cambio de voz, esto se dio porque al ver la necesidad de re grabar las voces invitamos a dos artistas para acompañar y hasta se dio la oportunidad de grabar un video de la sesión. También puedes escuchar cómo está totalmente aprovechado el panorama estéreo. La vihuela y la guitarra rítmica están opuestas entre sí, así como los violines que conservan su mismo lugar desde la intro y las 3 voces están equilibradas entré sí, conservando al centro la voz que domina esta parte de la canción.
Sección instrumental
Por último, vamos a escuchar la parte instrumental que sigue a la estrofa (mi parte favorita de la canción). Como puedes apreciar, el solo de guitarra debería dominar, pero en su lugar lo hacen los violines, y los instrumentos en relación con la voz, se quedan muy abajo cuando esta desaparece.
Ahora la guitarra tiene el protagonismo que le corresponde y el resto de los instrumentos no pierde importancia en relación a la voz y los violines llevan de la mano todo el solo guitarra, dado que fuero escritos como acompañamiento, realmente brillan al quedar atrás. Escucha cómo al final de la sección, las trompetas están contestando al solo de guitarra, al estar armonizadas se pueden pannear un poco a la izquierda y derecha, sin duplicarlos, le da mucho espacio a la mezcla.
Para terminar
Además de intentar abrir la mezcla, otra de las razones por las que se siente la necesidad de duplicar un track es para darle mayor peso a cada instrumento. Esta sensación existe cuando se utilizan instrumentos de gama media o baja, lo peor es que por más que se apilen tracks, el sonido jamás alcanzará esa dimensión al comparar el sonido, parece como si la mezcla original estuviera en mono o fuera un demo. Cuando se utilizan instrumentos profesionales la diferencia es impresionante, un solo track es suficiente para llenar toda una sección de una canción y el trabajo de mezcla es mucho más sencillo.
Otra cosa que se puede notar cuando se comparan versiones es que el sonido de la versión original es algo opaco en comparación con la mezcla nueva, esto se debe a que tanto la grabación como la mezcla fueron hechas a 44.1 KHz, mientras que la mezcla nueva fue hecha a 96 y el mastering fue analógico.
Como puedes ver en el nombre del waveform está marcado como 24 bits, el problema con esto es que aunque esa mezcla fue exportada con esa profundidad, por la cama de ruido al inicio es fácil notar que fue grabado a 16. Siempre cuida que tu grabación se haga a 24 bits para tener mayor espacio de trabajo, desde el principio.
Eso es todo por esta demostración, para quienes deseen escuchar el tema completo, ahora lo dejaré correr de principio a fin, cambiando de versión cada cierto tiempo para que escuches la diferencia.
